이번 여름은 참 길었다. 지난봄에는 가장 찬란한 시간이 계속 되는 것만 같았는데 긴 여름을 겪으면서 그 에너지에 새삼 기운이 딸리는 느낌이 있다. 해가 지면서 까지 붉은 구름을 몰고 오는 여름 위세는 참 대단 했다. 여름의 저녁노을이 이렇게 뜨겁고 아름다운 줄 미처 모른 채 더위 피하느라 그저 허둥대기만 했나 보다. 그러나 이제 더위도 힘이 빠지고 있다. 새벽이면 창 앞에 바람이 불어와 오히려 나를 살피고 들여다 본다. 내가 그럴 줄 알고 있었지만 찬바람에 괜히 또 한번 놀랬다. 여름 내내 아이스커피 마시며 낙서 같은 스케치 몇 장

하나와 문어, 이 두 캐릭터는 제 작업에 늘 등장하는데요. 문어는 바다 깊은 곳에서 살아가는 생명체로, 많은 이들에게 신비로움과 두려움을 동시에 불러일으킨다. 자료를 찾아보면 문어는 비인간 인격체의 후보로 불릴 만큼 꽤나 똑똑하고 지능이 높은 동물이며 ‘성격’도 가지고 있다고 한다. 문어는 이처럼 높은 지능을 가지고 있어 갇힌 병 속에서 병뚜껑을 열고 탈출하고, 레고 블록을 쌓아 은신처를 만들고, 퍼즐을 푸는 등 학습한 것을 기억하기도 한다. 이런 문어의 모습은 인간과 많은 유사성을 보여준다. 나는 겉으로 보기에는 낯설고 멀게 느껴

내 작품의 주제는 삶의 환희, 기쁨, 찬양이다. 나의 화업을 돌아보니 미술사조가 변천해 온 것처럼 소재나 기법에서 많이 변해왔다. 초창기 작업은 들꽃들의 합창으로 그림 속에 음악적인 요소를 가미한 Symphony 교향악과 같은 심오한 그림을 그리고 싶었다. 물감을 붓고, 그리고, 뿌리고 흘리고 찍고 긁고 하는 놀이에서 깊이가 생기고 함께 어우러진 조화를 찾아 들어갔다. 마치 지휘자가 오케스트라를 지휘하듯 이쪽에 꽃은 강하게 저쪽의 꽃은 세미하게 연주해 나갔다. 나는 또 다른 창조의 세계를 경험하는 즐거움에 빠졌다. 이제 좀 더 무대

대다수의 작가와 마찬가지로 사람 사는 이야기를 주제로 작업하고 있다. 구체적으로는 먼 과거로부터의 인간행동과 사고가 변화해왔던 흔적들, 그리고 현대인의 모습이나 심리 등이 작업의 주제가 된다. 작업에서 주제가 되는 이야기를 명확한 메시지로 정제하여 결과물에 내포하려하지는 않다. 그러한 것들은 작가 본인의 좁은 경험에서 비롯된 짧은 생각이며, 정확한 정답이 없는 문제들을 다루는 까닭이다. 다만, 물음을 던지고 사유하는 과정을 조각이라는 작업방식을 통해 기록하고 있으며, 이러한 행위를 끊임없이 반복하면서 성숙해져가는 삶을 살아가고자 할

창작활동이란 참 어려운 것이다. 이런 작업에 깊숙히 빠진다는 것은 더욱 힘드는 일이라 할 수 있다. 붓, 물감, 이러한 재료와 도구로 새로운 창조물을 만들기 때문이다.형태를 창조할 뿐 아니라 색과 작가의 사상을 부여함으로서 풍부한 또 하나의 작품 즉 다른 영적 생명을 만들어 낸다고 볼 수 있다는 것이다. 그래서 어렵다. 나는 이런 일들을 즐기면서 지금까지 작품활동을 해왔다. 50년 넘도록 작품활동을 하다보니 그림의 발전과 역사가 생겼다. 나의 초기의 작품엔 항상 자연을 인식하고 인간의 고뇌와 진실을 추구하려고 노력을 많이했다. 인간

독일의 전위작가 요세프 보이스는 모든 인간은 예술가라고 했다. 누구나 그림을 그릴 수 있지만 작가로 입신하는 사람들은 많지 않다. 왜 그럴까? 왜 이들은 그림을 안 그리고는 못 견디고 온몸이 뜨거워져 견딜 수 없게 될까. 나에게 스스로 질문을 던져본다. 나는 왜 그림을 그리게 되었을까. 초등 1학년 미술 시간, 그림 주제는 택시 그리기였는데 도화지 한 모서리에 조그맣게 그리고 있으니까 선생님이 내 손을 잡고 화면 가득히 꽉 채워 그리도록 이끌어 주던 생각이 난다. 정규교육을 받지도, 변변한 작업실도 없지만 나는 하루종일 작업궁리를

수년간의 코로나라는 혼란기가 끝나갈 무렵 나는 작업에 대한 에너지가 조금씩 차오르면서 명상에 대한 관심으로 “멍”시리즈가 자연스럽게 나타났다. 해변에서 바다를 멍하게 바라보거나 산 정상에서 내려다보는 파노라믹 경관은 먹먹한 가슴을 시원하게 뚫어주기에 충분하였다. 이것은 정신적, 육체적 리™V(초기화) 상태에서 재충전이라는 신선한 경험을 하게 되면서 인체의 가슴 부위나, 동물의 몸통에 구멍을 뚫는 조형적 상징으로 표현하게 되었다. 멍한 상태의 자기를 비우는 몰입의 과정 속에서 인간은 안정과 새로운 예술적 창조를 경험하게 된다. 몰입(

사람에게도 꽃처럼 향기가 있다. 인위적으로 만들어진 향수를 뿌린 향기가 아닌, 사람의 삶에서 마음으로 풍겨져 나오는 사랑의 좋은 향기를 작품에 담고자 한다. 그동안 살아오면서 작업한 그림들을 보면 일기장을 들여다보는 것처럼 한 폭의 그림 그림마다 그 당시, 나의 삶이 어떤 상황 속에서 살았는지 세월의 흔적이 느껴진다. 흔들리지 않고 피는 꽃이 없듯이 사람도 많은 관계 속에서 흔들리며 살아가는 듯하다. 때론, 거친 태풍을 만나 꺾어질 듯 흔들리고 때론 너무 뜨거운 태양 아래 타들어 갈 듯 흔들리지만 중심이 있었기에 서늘한 바람과 따스

대학교 3학년 때 휴학을 앞두고 학기를 무사히 마치기 위해 시작했던 ‘수묵으로 선 긋기’로 그린 산수화는 세필 붓으로 형태를 표현하는 것에 재미를 느끼게 하는 계기가 되었다. 단순 선 긋기로 시작하게 되었던 산수들은 휴학을 마치고 졸업반이 되었을 때 나름의 형태를 가지게 되었다. 형태를 가지게 된 선들은 소품 작업으로 이어졌고 이들이 점점 크기를 키워 다시 산수화의 형태를 찾으며 서사를 가진 작업이 되었다. ‘영원히 별이지지 않는 마을’ 작업을 본격적으로 시작하게 된 것은 2022년 초여름부터였다. ‘영원히 별이 지지 않는 마을’은

'터무니없는 일을 당해도 마치 축제에 참가한 것처럼 즐길 것. 미지의 세계와 해양, 인간과 산들을 기대하며 인생을 지켜볼 것. 어느 날 친구가 나에게 네잎클로버와 함께 자신이 읽던 책 (차라투스트라는 이렇게 말했다 - 프리드리히 니체) 의 한 구절을 적어 선물처럼 주었다. 나는 이 문구를 주제로 작업을 시작했다. 나의 작업의 테마는 'La Mar(라마르)', 어니스트 헤밍웨이의 소설 '노인과 바다'에서 소설속 노인(산티아고)이 바다를 부를 때 사용하는 단어다. 라마르는 바다를 여성형으로 지칭하는 스페인어인데, 바다를 시련도 주나 풍

2021년 시작한 '세상의 모든 감사' 연작은 넓은 의미에서 존중과 포용을 이야기한다. 무수한 낯선 단어들의 형태와 소리들은 하나의 의미를 담고 있는데, 이는 우리가 태어난 장소, 문화와 언어가 다르고 그 표현 방식이 다르지만 관계 속에서의 마음은 같은 마음을 찾을 수 있기 때문이다. 우리는 살아가면서 다양한 사람들을 만나고 경험하기도 하며 자라는 환경과 내가 접하는 것들에 따라 강하든 약하든 서로 영향을 받고 '나'를 형성해 간다. 그 과정 가운데 타인과의 관계 속에서 나를 객관적으로 바라보게 되기도

어느 날 부턴가 느껴진 사물의 생명성, 그 생명의 근원은 무엇인지 끊임없는 탐구를 지금까지 하고 있다. 내가 자연의 생명성에 중요성을 두는 것은 현실에서 생명현상이 중요하듯이 예술작품에서 생명의 변화하는 과정 즉 생성, 성장, 소멸하는 과정들을 드러내고 인간 존재의 근원에 대해 다시 한 번 더 생각해 보게 위함이다. 그럼으로써 인간존재 자체가 삶의 질을 고양시킬 수 있다고 보기 때문이다. 결국 예술은 가치극복의 수단으로서, 삶의 체험을 바탕으로 한 모든 행위는 내면이 몰입의 과정을 거치면서 비로써 순수한 의식의 결정체로 예술작품으로

오래 전 우리는 모두 아틀란티스에 살았었다. 그 옛날 우리에겐 모두 이상이란 행복 그리고, 삶이란 모험이 있었다. 비이상적인 현실에 길들여지지 않으려 떼를 써봤고, 울어도 보고, 때론 싸워보기도 했으나 어느덧 우리의 삶은 꺽여버렸고 이젠 이뤄지지 않는 바램과 꿈에 점점 무감각해졌다. 결국 바닷속으로 가라앉은 아틀란티스 대륙처럼 이젠 형체, 기억 그리고 흔적조차도 모두 사라져버렸다. 사람들에겐 아틀란티스에 대한 이야기는 허무맹랑한 얘기가 됐고, 비웃음조차 살수없는 철부지의 꿈같은 이야기가 되었다. 이상은 행복이 아니게 됐고 삶은 모험

존재함은 존재하지 않음과 같은 선에 있다. 우리의 지금 삶이 허상이라면 이것이 이전 이미 존재해왔던 세상에서 옮겨 온 삶이라면 무엇이 있고 없음인지 그것을 어떻게 증명해야 할까? 그 지점에서 나의 작업은 시작된다. 내 작업의 근원은 노동이며, 사랑이며, 삶이다. 작업한 시기별 소재와 재료들이 다르며 작품 속에서 등장하는 동물이나 꽃들은 사람을 의인화하여 표현되어진 것이다. 그것은 그 상황의 나를 반영하기도 한다. 장자의 호접지몽과 연결시켜 꿈인지 현실인지 모르는 상황을 흰색의 선묘와, 컬러로 묘사되는 동물로 구분지었다. 하지만 그것

나의 작업은 물체의 형상을 본떠 그림에서 성립되어 만들어진 표의문자인 상형문자의 자유분방한 특징을 활용하여 조형적 요소와 원리를 디자인적 미감으로 표현한 패턴에 중점을 둔 것으로, 상형문자는 대개 그 원리가 회화에서 멀지 않은 것으로 볼 수 있고, 천지간의 물형을 그려내 그것으로 글자를 삼는 방법의 문자이다. 문자는 분명한 뜻을 지니고 있고 형태가 있는 시각적 기호로, 대상과 인식이 일치하고 현실에 존재하는 개체에서 반복, 연속, 변형 등 작가의 주체적으로 표현된 집합체인 패턴이 되어 문자로써의 본질은 사라지고 의미는 내재되어 있다

작가로서 자리를 잡았다고 생각되었을 때 즈음 나는 예술가로서 나의 역할에 대해 고민하기 시작했다. 그리고 나의 작가노트의 가장 첫줄에는 "예술가는 지진계와 같아야 한다"라고 말한다. 그 누구보다 더 예민한 감각으로 사회, 정치, 문화에 대한 관심을 가지고 새로운 신호들을 알려주는 것이 예술가의 역할이라고 생각했다. 나의 일련의 작업들은 'stand mute(묵비권을 행하다)'라는 이름을 가진 초상들이다. 예술가는 항상 역사를 마주하고 어떤 주제나 개념을 삼든 당대의 맥락과 과거를 탐구하고 해석하는 과정이 수반된다. 작품은 나에게 있

나의 작품에서 주를 이루는 것은 물고기와 어항이다. 나의 작업은 일상속의 사물을 소재로 삼은 작업으로 어느때 보다 더 빠르게 변화하고 있는 현대 사회속에서 우리는 자연스레 빠른 적응과 민감한 반응이 필요하게 되었다. 바쁘게 살아가는 현대인의 모습은 마치 잠잠한 물결속에 미세한 물수제비에도 역동적으로 반응하는 물고기처럼 우리는 나와 타인관계의 문제, 화려함만을 쫓아가는 정체성 잃은 우리의 자아, 반복된 일상속에서 우리는 꿈을가지기도하며, 흐트러진 자아, 인간과의 관계, 일탈을 반복한다. 복잡한 삶속에서 유리안에 비추어진 자신을 보며

페르소나(persona)란 인간 내면의 여러가지 모습, 나를 대변할 수 있는 것, 가면을 쓴 인격 정도로 해석이 된다. 라틴어 페르소나는 사람이라는 영어단어 person의 어원이기도 하다. 지금 이 시대를 살고 있는 내가 생각하는 페르소나의 의미는 어떤 것일까? 일관되고 통일된 하나의 자아보다 주어진 상황과 요구되어지는 역할에 맞게 자신을 명확하게 보여주는 페르소나 즉, 역할가면을 바꿔가며 써야하는 시대에 살고 있다고 생각한다. 분석심리학자 융의 이론에 따르면 사람은 누구나 사회적 압력에 적절히 반응하기 위해 천개의 가면을 가지고

나는 내면의 깊은 곳에서 변화의 흐름을 느끼면 물쌀에 배를 맡기듯 작업에서도 변화를 따른다. 프랑스 유학시절 난 이미지성에 몰두하기 시작해 여러 다른 이미들이 겹쳐서 중복된 작업을 했었다. 오랫동안 이어져온 본체가 아닌 허상에 관한 이미지의 탐구는 현대미술에 없어서는 않되는 오랜 화두이기도 하다. 애초에 허상인 화면속의 이미지는 우리주변을 부유한다. 구체적으로 말하면, 내친구의 모습을 그리면 화면속의 친구는 친구 본체가 아닌 친구 이미지일 뿐이다. 이렇듯 이미지에 관한 진실성에 몰두하며 여러이미지를 화면속에 중첩 시켜 이미지를 부인

나의 작업은 사람들에 대한 애정 어린 시선과 따뜻한 관심을 바탕으로 한 삶의 관계성을 이야기한다. 그 대상은 때로 나의 가족이 되기도 하고, 내 주변인이 되기도 하며, 나와 전혀 상관없는 타인이 되기도 한다. 관계성은 우리 주변에서 일어나는 모든 상호작용과 연결을 포괄하며 사회적·감정적·심리적·생물학적인 측면을 아우르는 관계를 의미하는데, 사람과 사람 간의 관계, 사회적 상호작용, 정서적 연결 등 다양한 관계의 복잡성과 의미들은 핍진하게 그려진 개인의 모습에서부터 출발한다. 작품 ‘사람들’은 제목 그대로 우리가 살아가며 만날법한 보